Toujours friand d'aventure, le fringant Alain Resnais a decidé, pour ses 87 printemps, de changer d'illustrateur. Exit Floc'h et sa ligne claire héritée de Hergé (Smoking/ No smoking, On connaît la chanson, Pas sur la bouche et quelques Woody Allen), place à Blutch et à son crayonné nerveux. Mais le bédéiste français surprend avec cette superbe affiche peinte et colorée, loin du griffonné sombre qu'on pouvait attendre de lui (Bloche) : surréalistes, ces deux personnages à tête végétale évoquent la fixité poétique de Magritte, avec un grain en plus. 

A l'opposé, on ne peut pas dire que l'affiche du Sam Mendes déçoive ou surprenne : le britannique de 44 ans pratique un cinéma indéniablement efficace (American Beauty), bien fichu (Les Sentiers de la Perdition) au souffle dramatique parfois puissant (Les Noces rebelles), mais très sporadiquement audacieux. L'académisme lui colle au train, et l'affiche de sa comédie Away We Go n'y changera rien, arborant tous les signes extérieurs d'un genre formaté. En l'occurence : le feel good movie de l'hiver. Très tendance, l'habillage comics est censé délivrer de good vibes : lettrage naïf et 3D à la Juno/Une Nuit à New York, couple trop mimi maladroitement détourés au Bic, désaturation cool de l'image... Ne manque que le mot-hameçon "sunshine" dans le titre ! Tout celà sent l'indé frelatté à plein nez.

Et puisqu'on est entre gens décomplexés, parlons peu, parlons chiffres : pas moins de 11 affiches côté Jeunet, contre plus d'une douzaine côté Moix. Micmacs la joue humble et démocratique : chaque personnage a droit à son morceau de papier collé au mur. Si la star Boon se réserve le poster officiel (rapport au succès historique des Ch'tis) et les comiques Julie Ferrier/Omar Sy les meilleurs emplacements dans le métro, les outsiders Michel Cremades et Marie-Julie Baup peuvent quand même se targuer d'avoir une affiche de même taille que les autres, à leur nom (peu vendeur) et sans faute d'orthographe.

Avec sa campagne de teasing massive lancée dès août (12 affiches pastichant Scarface, Jurassic Park, Trainspotting, E.T. l'Extraterrestre, etc.) Cineman n'a pas non plus mégoté sur le battage marketing : la face peinturlurée en Tarzan (poster officiel) de son unique star Frank Dubosc tapisse actuellement les 3/4 des panneaux publicitaires français, assortie d'une tagline très peu drôle.

Mais puisqu'on est entre artistes, parlons (aussi un peu) Beau : les deux affiches échouent sur ce créneau (kitsch du pastiche chez Moix, teintes pipi caca d'oie chez Jeunet) Pas grave : le succès des deux films ne se joue pas (uniquement) là. Ce qu'il faut pour attirer le péquin, c'est caresser l'inconscient collectif dans le bon sens du poil. Lui rappeller des bons souvenirs. Ne jamais le brusquer. L'amener là où il se sent le mieux : en TERRAIN CONNU.
Pour Jeunet, c'est facile : Boon (plus de 20 millions de fans avec les Ch'tis) + esthétique brocanteur d'Amélie Poulain (plus de 9 millions d'entrées, sans compter les DVD et son rayonnement touristique dans le quartier de Montmartre) = gros potentiel en euros.
Cinéman y va plus franco dans le "no risky business", revisitant (après les poses de Claude François dans Podium) l'imagerie de grands classiques du 7e art avec l'acteur bankable de Camping (et bientôt Camping 2) : mimé par Dubosc (à défaut de Benoit Poelvoorde, embrouillé avec Moix) sur l'une des affiches officielles, la star du muet Harold Loyd doit se retourner dans sa tombe. "Quand les petits s'attaquent aux grands...", commente (involontairement), la tagline un poil démago du Jeunet, soudain caustique.

Les affiches ont parlé, place au cinéma box-office !

- Pour le sexe, facile : Megan Fox.  Déjà vue aux prises avec des robots extraterrestres dans Transformers 2 La revanche, la nouvelle sex symbol intergalactique (élue deux fois d'affilée "femme la plus sexy du monde" par FHM, steuplè), a enfin une affiche pour elle toute seule. Toute mini jupe et décolleté plongeant dehors, arborant fièrement une belle paire d'yeux revolver assortis d'une position jambesque indécente (Basic Instinct façon Britney), la brune mutine fait monter la température sans forcer.

- Pour la violence, l'affiche reste sobre, semant quelques indices sexy-gores : un filet de sang émanant de la pulpeuse bouche de la Fox - gimmick repris à la série de HBO True Blood. Brrr. Un lettrage rouge sang (assorti aux chaussures/corsage/lipstick de la femme fatale), perlant du tableau de classe et orientant le regard vers le sol souillé d'hémoglobine. Et là - brrr - gît une main de cadavre, visiblement bien amoché. 

- Pour l'humour, enfin, l'affiche mise sur une tagline parodique qu'on a l'impression d'avoir déjà vue mille fois : "La vengeance est un plat qu'elle mange chaud".  Mais c'est aisément mémorisable, donc efficace. Plus malin, le faux bandereau préventif ("Pour votre santé, évitez de manger trop gras, trop salé, trop saignant") pastichant les campagnes nutro-hygiénistes en vogue sur les affiches de junk food et de soda, et qui semble nous dire : ceci n'est qu'un (sexy, violent, drôle) pop corn movie. 

Racoleur, mais appétissant. 

Comme les noms de ses acteurs l'indiquent (Göske, Schramm, Bertzbach, etc), Français pour débutant n'est pas un film français, mais allemand. Et qu'apprend sur notre pays un élève allemand qui a pris français première langue ? Tour Eiffel, bleu-blanc-rouge et « Deudeuche », évidemment ! Ne manquent plus que le béret, la baguette et un portrait du Général De Gaulle.

Désespérément premier degré, cette caricature rétrograde est maladroitement tempérée par deux tentatives de modernisation « djeunistes » : les pots de peinture rose déversés sur notre capitale (mascotte Citroën comprise) constituent le premier outrage au drapeau national, aggravé par la présence sur l'affiche d'une horde de niais fringués comme dans Hélène et les Garçons, et eux aussi sans potes de couleur. Ringarde et surtout hideuse (rouge sur rose, même Marine Le Pen sait que ça cloche), cette navrante affiche risque bien, outre de condamner le film à un échec retentissant, de faire chuter le taux d'inscription en classe allemand première langue.

L'affiche de Fame "2009" - le remake de Fame "1980" - a beau être passablement disgracieuse avec ses gros lampions, au moins elle ne vous ment pas sur la marchandise : tout est ici affaire de recyclage.

D'abord, le logo original du hit d'Alan Parker. Sur l'affiche '09, il est repris sans vergogne et inscrit en lettrage pachidermique, au cas où les distraits penseraient que c'est une pub pour une soirée HEC sponsorisée par un soda américain.

Ensuite, l'héritage disco. Incarné par la pose sexuellement déhanchée de John Travolta en 1977 (affiche de La Fièvre du samedi soir), on le retrouve certes dilué (en tout petit) mais bien présent ici, sous la forme d'une silhouette-vignette singeant le maître.

Mais les minettes de 13 ans alors, se souviennent-elles de la Disco Fever ? Vont-elles comprendre le clin d'oeil ? Non, probablement pas, mais l'affiche de Fame a plus d'un tour dans son sac de gym. Parce que le déhanché de Travolta, coco, c'est devenu le logo de la Star Ac' entre temps ! Donc plus besoin d'inconscient collectif "époque disco", la télé-réalité suffit comme référence. Faut vivre avec son temps, bonhomme.

Le puissant message enfin ("Le rêver. Le mériter. Le vivre."), tout en recyclant l'esprit de l'époque du Fame original (infusé à l'ultra-libéralisme de Reagan), colle aussi très bien avec la société du mérite que veut nous vendre notre actuel Président. Faire du neuf avec du vieux, en somme : cette affiche vous vend du décongelé/préchauffé, certes, mais l'emballage est d'une transparence rare.

Minimaliste et graphique, l'art de Bass est celui de l'épure. Ses affiches à la typographie fragmentée reposent le plus souvent sur une idée maîtresse, compactant tout le film en un logo : Vertigo devient une spirale vertigineuse, L'homme au bras d'or se résume à un bras géométrique, Anatomy of murder à un corps disloqué. Aux stars se substituent le concept, avec Bass on frôle l'abstraction.

L'affiche de The Informant, de Steven Soderbergh reprend à son compte la patte si reconnaissable de Bass, comme récemment le poster du dernier Coen (Burn After Reading). La star Matt Damon est ici réduite au maximum, visuellement compressée, au profit de son double graphique : une ombre géante et cartoonesque découpée sur un fond blanc, dans lequel s'incrit en lettres "saulbassiennes" (typo brisée) le titre du film. L'effet comique, basé sur un décalage corps/ombre (évoquant Lucky Luke), en dit plus long sur le personnage qu'une longue bande annonce, rendant la tagline superflue. "Le design c'est la pensée rendue visible", disait Saul Bass. Bel hommage !

Efficace, la drague s'opère en trois temps. 

1/ Solliciter tes reflexes conditionnés - toi spectateur lambda - par l'usage d'une calligraphie colorée estampillée "psyché" - devenue cliché. Un gimmick visuel facile et hop, te voilà à Woodstock. Jimi Hendrix, LSD, barbus et seins nus : ouah c'était le bon vieux temps, te dis-tu en tirant sur ta clope avec la mine nostalgique de celui qui n'y était pas. Trop snif.

2/ Insister sur ta fibre nostalgique - précédemment conditionnée dans l'étape 1 - en feignant l'authenticité, parce que le monde capitaliste de 2009 pue trop le factice et le dentifrice tu vois, le vrai truc c'était avant. Faux plis vintage de l'affiche = le temps qui passe = ça c'est vraiment passé ça mec. 

3/ Porter le coup de grâce : "Inspiré d'un histoire vraie". C'est bon, tout est en place : tu es fin prêt à te laisser pousser les cheveux, à gambader dans la boue sous acide sur fond de solo guitaristique anti-Vietnam, et pourquoi pas à manger bio.

Et puis... Non. Hotel Woodstock coupe le son, troquant le kit trop cool man contre un drôle de tableau : un proto-geek et deux patibulaires septuagénaires dans un banal champs de vaches, sur fond de ciel banalement bleu. "Découvrez comment tout a commencé!", comprends-tu enfin. Tu veux bien te laisser convaincre, même si tu ne pensais pas que l'origine du Flower Power pouvait ressembler à tes vacances en Normandie. L'affiche d'Hotel Woodstock t'a bien eu.

"I need a man to love" chantait la diva rockab' de chez Sun Records. La blonde platine de l'affiche (Serena Lunn) semble elle aussi rêver d'amour et de liberté, le nez à la fenêtre, princesse de l'asphalte filant dans son bolide made in US.

Raccord avec l'atmosphère de film noir, son look de pin-up fifties n'est pas sans rappeler celui de Patricia Arquette dans Lost Highway, tandis que le noir et blanc stylé évoque le New York nocturne de Cassavetes, et le lettrage brisé, l'esthétique du punk. Amérique fantasmée ? Délire de fétichiste vintage ? Oui, mais quelle classe.

Cette semaine, un duel de duos. Mais aussi, un combat d'affiches moches. A ma gauche Jean-Paul Rouve et Richard Berry dans Le Coach. A ma droite Jane Birkin et Sergio Castellitto dans 36 Vues du Pic Saint-loup.

Les deux affiches sont construites de la même (classique) manière : en haut, le titre en grosses lettres, coincé entre le nom du duo d'acteurs au-dessus, et du réalisateur en dessous. Et sur l'image, deux acteurs qui se zieutent intensément. Soit le modèle de l'affiche de buddy-movie et/ou de film d'amour.

Le Coach a une dégaine de comédie populaire sans ambition. On se souvient d'Olivier Doran, réalisateur de Pur week-end et acteur dans Camping, comme d'un mec qui aime se la couler douce. Quand à Jean-Paul Rouve et Richard Berry, ils ont l'air de tellement s'amuser ensemble qu'à voir cette affiche de buddy movie, on se sent de trop. A moins  - fond noir ultra-inquiétant oblige - qu'ils ne se rient au nez... Une Tour Eiffel embarrassante de symétrie les sépare dans cette nuit parisienne de pacotille, annonçant une baston de regard voire, plus radical encore, un "je te tiens tu me tiens par la barbichette" sans les mains. 

36 vues du Pic St-Loup a la bouille défraichie d'une ennuyeuse comédie romantique intello. Un titre incompréhensible pour le commun de mortels, un décor austère (quoi de plus triste que les bancs vides d'un cirque ?) habité par des acteurs pas très bankable (Sergio Castellitto) ou qui agaçent dès qu'ils ouvrent la bouche (Jane Birkin), un grand réalisateur rescapé de la Nouvelle Vague délaissé par le grand public (qui a vu l'excellent Ne touchez pas la hache ?), et pour couronner le tout, le logo de France Culture blôti en bas à droite. Et puis, est-ce vraiment une comédie romantique ? Certes un homme et une femme sont assis côte à côte sur un banc. Mais après ? L'absence de regard adressée par une Birkin masculine (habillée en Kurt Cobain) à Castellitto (pourtant en pleine pose "Penseur de Rodin"), laisse présager d'un âpre et cérébral combat verbal. 

Laides et peu engageantes, ces deux affiches ont néanmoins l'avantage de réserver quelques mystères. Avouons que ceux de Rivette ont notre préférence.

Non ma fille, tu n'iras pas danser. Le moins que l'on puisse dire, c'est que le titre du nouveau film de Christophe Honoré n'est pas très funky. Pas ultra-engageant. Trop long, trop négatif : il sonne vieillot, pour ne pas dire ringard. Comment vendre ce produit invendable ?

Ingénieux comme tout, les créateurs de l'affiche ont d'abord déplacé l'encombrant titre en bas en gauche de l'image, dans une police réduite, pof on n'en parle plus.  Ceci au profit d'un slogan autrement plus vendeur, calé en haut et au milieu du cadre, inscrit en larges et imposantes lettres : VIVEZ LIBRE. Mais si ma fille, tu iras danser - Honoré n'avait qu'à réviser son marketing.

Voici donc, chargée de contredire le déplaisant titre du film, une injonction pleine et péchue, simple et vivifiante, pétrie de positive attitude, coco. "Vivez Libre" : une tagline sooo subversive (en pleine ère sarkozyste) et que n'aurait sans doute pas reniée le philosophe Yves Saint Laurent ("règle numéro un, être soi-même; règle numéro deux, être soi-même, etc."), voire la page psycho de Cosmo.

Sur cette affiche sylvestre, Chiara Mastroianni est belle comme une bohémienne, enfin arrachée aux contraintes du quotidien urbain. Ca n'a l'air de rien, mais c'est ça, une femme libérée (tu sais c'est pas si facile) : solitaire, les pieds à l'air, Chiara revient à la nature (la vraie, la bio), à SA nature (la sauvage, la sautillante, la dansante), la chaussure à la main et la tête dans les nuages, telle une moderne Comtesse aux pieds nus... Vendu.

Ah l'amour. On nous en a dit de belles, sur l'amour. Et on y a cru, quand Michel Fugain nous a maintenu que c'était "une forteresse dont les murs sont faits de promesses". Puis quand Yves Duteil nous révéla qu'en fait non, Michel exagerait un peu, puisque l'amour est en fait "une maison". Nous restâmes quelque peu dubitatifs, puis tout se bouscula ensuite dans notre tête, ne sachant à quel saint se vouer, entre la thèse enthousiaste et utilitaire de Bruce Willis ("l'amour est une solution au malheur"), et celle, plus pessimiste, de Louis Ferdinand Céline ("l'amour c'est l'infini à portée des caniches").

Nous cherchâmes alors refuge chez le poète Serge Gainsbourg - "L'amour est aveugle et sa canne est rose." - joli, mais trop obscur pour nous, qui nous rabattîment sur la thèse de Carmen, qui s'y connait parait-il, et pour qui l'amour est un enfant immigré, de Bohème précisément. Nous en étions resté là. Mais voilà-t-y pas qu'un film entend nous révéler - pas trop tôt ! - la vérité vraie.

Et L'abominable véritè, si l'on en croit l'affiche de ce film de Robert Luketic (La Revanche d'une blonde), serait la suivante : l'amour n'est qu'une vulgaire partie de (ping) pong. Avec d'un côté du filet, un joueur qui se servirait de sa tête (la femme) comme d'une raquette, pour envoyer la balle (= les sentiments, tout ça) vers un joueur un peu simple (l'homme, donc), qui lui se servirait exclusivement de son kiki. Adieu forteresses, parapluies et bohémiens  : on tombe de haut.

Allez, un petit duel d'affiches pour bien commencer la semaine : Inglourious Basterds contre Les Derniers jours du monde. Soit Quentin Tarantino versus les frères Larrieu. Mouais, te dis-tu, lecteur, légèrement dubitatif, et avec raison : Tarantino contre un français (même pas Luc Besson en plus), c'est un peu comme Usain Bolt contre n'importe qui (Tyson Gay) sur 100 m, non ? Du show, mais zero suspense. Jetons tout de même un oeil sur les forces en présence.

Côté américano, des flingues, des nazis, des belles blondes rétro, une star (Braaaad) : c'est le cocktail imparable d'Inglourious Basterds. Bon bon, Tarantino est toujours aussi imbatable en com'. On se souvient de ses savoureuses campagnes pour Jackie Brown ou Kill Bill, avec, pour chaque perso, une affiche réservée, ultra-travaillée, style bédé. La recette : un look scotchant + un slogan qui tue. Comme autant de cool vignettes à collectionner entre amis. Pour ses Basterds, "Qwentine" nous refait le coup de l'affichage choral massif, et choisit, pour sa photo de groupe (l'affiche "officielle" ci-dessus) un nouveau code graphique simple (grosse trainée rouge nazi sur fond blanc, évoquant le jaune poussin Kill Bill souillé d'une gerbe d'hémoglobine façon action painting), aisément mémorisable, ainsi qu'une tagline en béton armé (à l'humour noir). Et, of course, ça re-re-marche complètement.

Face à cette promesse d'orgasme ludico-SS, le film français d'auteur se sait dans le caca. Démuni grave. Et que fait-on quand on n'a aucune chance ? On fonce, dirait l'autre, oui certes, mais sinon ? A poil. On se fout à poil, misant tout sur l'effet de surprise. Les Frères Larrieu jouent donc la carte de dénuement à donf, et allez hop, petit strip bien de chez nous, franquette-quéquette. Bon c'est pas non plus des pin-ups, nos naturistes, puisque ce sont Matthieu Amalric, Karin Viard et Catherine Frot, mais ça reste chic. Trois acteurs "sérieux", fonçant tout soutifs et poils dehors, devant une mer en carton pâte qu'on dirait éclairée par un projecteur de stade de foot, vers...La liberté, nous dit l'enthousiaste tag-line ("Enfin libres!"). Une affiche moche, certes, mais (dé)culottée, plutôt couillue. Le minimum vital pour un challenger digne de ce nom. 

Quatrième collaboration entre Martin Scorsese et Leonardo DiCaprio, Shutter Island sortira en France le 14 octobre 2009. L'affiche internationale, qui vient d'être dévoilée, opte pour une tonalité plus que sombre. Tapi dans l'ombre, Leonardo DiCaprio fait la grimace et éclaire pour nous la pluvieuse prison du film, qui n'est pas sans évoquer Alcatraz. On notera aussi la tagline, aussi sinistre que laconique : "Someone is missing" ("Il manque quelqu'un").

Cette image cherche à préparer le public à la noirceur du projet. Adapté d'un roman de Dennis Lehane (Mystic River, Gone Baby Gone), Shutter Island se présente en effet comme un thriller d'épouvante. Malgré les inquiétudes qu'a pu faire naître la bande-annonce, nous attendons le film de pied ferme.

Est-ce que tu viens pour les vacances ? chantaient les délicieux minets permanentés David et Jonathan, d'un ton engageant. Comme eux, le cinéma français se met au vert. Marre de se regarder le nombril de trop près, sans doute. Marre aussi de son appart' parisien qui sent trop la clope et les prises de tête. Marre des bars suffocants et des coups de barre chroniques, le cinéma français fait faux-bond à son habituelle séance chez le psy, et se barre pour les vacances. Direction : le Sud-Ouest. Avec deux films : No Pasaran, d'Emmanuel Caussé et Eric Martin, et (le génial) Le Roi de l'évasion, d'Alain Guiraudie.

Ces deux affiches expriment un goût commun pour la région du surf, du rugby et du jambon cru. "Il était une fois dans le Sud-Ouest", proclame celle de No Pasaran, pastichant ouvertement Sergio Leone. La carabine est bien là, le soleil de plomb aussi, pour le reste, l'affiche prend ses distances avec le western spaghetti, en remplaçant la poussière par le bitume, la Monument Valley par les Pyrénées, et les canassons par un cochon (à poix mauves). Kitsch, hénaurme. 

Le Roi de l'évasion joue moins sur l'ironie, même si l'on subodore un humour latent dans cette aventure en territoire "Sudouestien". Franche et premier degré, l'affiche montre un couple saugrenu, à la limite du buddy movie : un quadra bedonnant aux yeux bleux et une nymphette brune, main dans la main. Les pieds dans l'eau, les yeux vers le ciel, libres...Et menacés. Les tourtereaux s'évadent, donc, loin des clichés. Traqués par un hélico, hors champ, ces Bonnie and Clyde aveyronnais brillent par leur anti-conformisme naturel.   

Loin de l'ankylose morose et du ronron du petit cinéma français de salon, ces deux affiches invitent à prendre le large, vers le grand air, et les grands espaces. On respire.

Lire la critique du Roi de l'évasion

Cette semaine s'affrontent deux genres qui ne disent pas leur nom : le film de mec (ou d'action) contre la comédie pour midinettes (ou romantique). Du moins, c'est ce que les affiches de Public Enemies (Michael Mann) et de Toy Boy (David MacKenzie) laissent d'abord à penser.

Public Enemies annonce la couleur : gris sombre. Et dégaine en premier son arme : une bonne grosse mitraillette des années 1930. Plus cool, Toy Boy garde ses lunettes de soleil, et arbore une moue provocante et sexy. La couleur : rouge, rhhâââ comme le désir. L'arme : un corps de dieu Grec sublimé par un t-shirt écarlate, et surtout une main nonchalante calée dans la poche d'un jean ultra-moulax, façon David de Michel Ange, ou Sticky Fingers des Rolling Stones. Hot, quoi.

Chacun son style. L'un plane, solennel en imper noir, au dessus d'un Chicago poussiéreux et déserté, la machoire serrée, la cravate nouée et le Stetson vissé sur un visage concentré. L'autre, lubrique, s'éclate ("son job, c'est de donner du plaisir"), hilare et décontracté, devant l'effet de son charme totalitaire sur la gent féminine : pour lui, leurs gambettes longilignes et soumises marchent au pas.

Braguette vs mitraillette, donc ? Pas si simple. Car on peut aussi voir ce duel comme celui de deux styles d'hommes. Ashton - le boyfriend de Demi Moore - Kutcher contre Johnny - éternel freak burtonien - Depp. Soit une gueule carrée de playboy mal rasé (et macho?) contre une silhouette élégante et longiligne (donc romantique ?): l'affiche de Public Enemies, sous ses dehors "pan pan t'es mort" contient finalement plus de mystère et de délicatesse que celle de Toy Boy, gorgée d'une virilité brutale, cynique et prédatrice (le rouge, la playmate du titre). Le bad boy n'est pas là où on le croyait. Et nos deux affiches de se neutraliser, drainant chacune des publics "ennemis" ("mecs à la dure" et "midinettes") dans leurs salles respectives. Du moins, espérons-le !

Quelque chose cloche, ou du moins titille le cervelet, dans l'affiche du nouveau Woody Allen, le sympathique mais mineur Whatever Works. Une impression de déjà vu se dégage en effet de cette scène de tchatche new yorkaise.

Toujours aussi prolixe, visiblement, Woody semble avoir perdu encore un peu de cheveux. Sans doute quelque conséquence néfaste de la pluie londonnienne mariée au soleil barcelonnais ? Scarlett Johansson n'a pas changé, elle, qui boit docilement les paroles du vieux séducteur/mentor en suçotant sa glace. Evidemment, c'est une illusion, ou plutôt, une réminiscence du film Scoop (du même réalisateur) : le célèbre comique US Larry David (co-inventeur et scénariste du sitcom "Seinfeld" pendant sept ans, acteur dans "Larry et son nombril", sur HBO) a remplacé le magicien Allen, tandis qu' Evan Rachel Wood mime très bien l'ex journaliste en herbe Johansson, sans les lunettes studieuses, mais avec un décolleté tout aussi engageant. Même différence d'âge entre les deux protagonistes, visuellement accentuée par l'air candide de l'ersatz scarlettien et la calvitie prononcée du double allenien. Pour, à nouveau, une relation d'ordre plus filiale que sexuelle.

Bref, l'affiche de Whatever Works a comme un goût de Scoop réchauffé... Qu'importe, tant que ça marche. Un petit jeu des 7 différences, quelqu'un ?

Deux photos extraites de Scoop (Woody Allen, 2006)

Cette semaine, il va y avoir du sport, avec un combat d'affiches de films d'action. Et ouais, Fighting contre Transformers 2, bébé.

A ma gauche, Channing Tatum, ex-mannequin ténébreux révélé par des rôles plus physiques que psychologiques : joueur de basket musclé dans Coach Carter, pilote de moto musclé dans Supercross, danseur sexy et musclé dans Sexy dance, il revient en street fighter (toujours musclé) dans Fighting, de Dito Montiel. A ma droite, deux microbes (Megan Fox et Shia Labeouf) poursuivis par de pachydermiques robots extraterrestres (représentants des ethnies "Autobots" et "Decepticons", parait-il), visiblement contrariés : Transformers 2 La revanche, de Michael Bay.

D'un côté une explosion de couleurs baroque, à l'esthétique Action Man (le plus grand de tous les héros): frénétique et surchargée, l'affiche de Transformers 2 balance toutes ses cartouches d'un coup en dolby surround, au risque d'épuiser le spectateur avant même d'avoir vu le film. De l'autre, presque une page blanche. Statique. Tactique opposée donc : Fighting mise certes sur l'apparence avantageuse de son athlétique acteur principal - pourquoi s'en priver - mais discrètement, sans en faire un banal chippendale à la Vin Diesel. T-shirt blanc sur fond blanc, le virginal Tatum lève les bras au ciel. Exulte-t-il après avoir mis KO un adversaire ?  Achève-t-il une série de 250 tractions ? Ou s'appuye-t-il simplement sur une cloison ? On ne sait pas, son regard pensif et ses mains hors-champ cultivent le mystère. "Quelques rêves valent le combat", dit la tagline, plus engageante et moins décérébrée que les lasers d'en face. Combat intérieur, contre gros robots 3D, à vous de juger !

A deux mois de la sortie d'Inglourious Basterds (prévue pour le 19 août en France) et alors que Quentin Tarantino poursuit son remontage du film, l'affiche française se dévoile.

Dans un esprit proche de celui du premier teaser, cette affiche met en avant la troupe de soldats emmenée par Brad Pitt, que le montage présenté à Cannes relègue pourtant au second plan. On peut ainsi s'étonner d'y voir figurer Til Schweiger(en bas à droite). Mais l'affiche n'oublie heureusement pas d'intégrer les personnages de Mélanie Laurent, Diane Kruger et Christoph Waltz (prix d'interprétation masculine à Cannes pour son rôle de colonel nazi). La couleur rouge sang sépare l'affiche en deux parties, exprimant bien l'existence de deux intrigues parallèles (qui finiront par se rejoindre).

Le slogan "Dans une France occupée, il faut savoir trancher" fait la part belle à l'humour noir et résume plutôt efficacement le ton de ce furieux film, aux influences multiples et à l'intarissable énergie.

- Lire la critique d'Inglourious Basterds

A ma gauche, elle nous vient de la série TV éponyme, elle a tout défoncé au box office US, voici l'idole des ados à double vie/coupe de cheveux, propre sur elle (selon nos informations, aucun lien de parenté avec Tony) : Hannah Montana. A ma droite, trois frères chrétiens évangélistes ET rock'n'roll, portant tous trois une superbe bague de pureté à la main gauche et une guitare dans la main droite, revendiquant régulièrement leur virginité et leur non-consommation d'alcool, de tabac et de drogues, s'inspirant de "My Chemical Romance avec une touche de Backstreet Boys", bref, des rebelles, faites un triomphe à Kevin, Nick et Joe, les Jonas Brothers.

Parenthèse : si ces noms ne vous disent toujours rien, tout va bien, pas de panique, vous avez juste plus de 14 ans.

On pourrait croire que Disney a voulu faire coup double en proposant simultanément un film pour les garçons (qui s'identifieraient automatiquement aux Jaunasses), et un autre pour les filles (se rêvant toutes en Barbie Hannah). Mais curieusement, les affiches de ces deux teen-blockbusters semblent viser un seul et même public : les midinettes. Ben oui enfin, ce mauve... Comme chacun sait, un garçon de moins de 14 ans ne va pas voir un film mauve, ou véhiculant des valeurs mauves, d'autant plus s'il tire  - comme sur cette affiche - vers le rose. Question d'éthique. Et puis un boys band évangéliste en 3D, c'est folklo, mais ça vaut pas 50 Cent en vrai ou même la Géode en famille.

Supputons peu, supputons bien. Et si, le garçon de moins de 14 ans, désorienté, se dirigeait vers Hannah ? Et pourquoi pas. D'abord parce qu'elle est trop bonne l'actrice vas-y, je l'ai déjà matée un matin sur Disney Chanel franchement elle fait bien plaisir par rapport à Minnie, et ensuite parce qu'elle existe en deux modèles : blonde et brune. Personne n'est lésé, en plus les deux versions se valent, le sourire reste bright plus ultra, même après brushing ou balade à cheval. Autre argument pour les vrais gars : ce film est un véritable piège à nana. Héhé : un vrai traquenard pour enfin serrer au ciné. Finaud, ça. Les trois mauviettes mauves attendront.

Elle a de la tronche, cette affiche. Tout y est : personnages, looks, titre, couleurs. Inoubliable d'emblée. On est d'abord interpellés par l'ironie (apparente, cf notre interview de Riad Souttouf) du titre, "Les Beaux gosses", qui claque en orange fluo, et contredit de manière comique l'image donnée par les deux ados ci-dessous : ringardise au carré. Tellement déphasés (dans le look et dans le regard), en fait, qu'ils dépassent illico leur statut de victimes pathétiques pour atteindre celui de fiers archétypes : la coupe hardosse-mulet, la veste en jean sur T-shirt noir de Iron Maiden, l'acné, le duvet de moustache, l'infâme pull-de-grand-père-à-carreaux-avec-col-de-polo-caca-d'oie-qui-dépasse...Plus qu'un reflet d'une époque (laquelle?), l'archétype du nerd au collège. Ce mec renfermé qui n'ose pas aborder les filles, vit en bande retranchée (de mecs), et s'épanouit avant tout dans les pratiques occultes : l'onanisme frénétique, la collection de disques compulsive ou encore le jeu de rôle. Evidemment, c'est une caricature. Mais finalement, cette caricature contient plus de tendresse que de moquerie : contrairement aux geeks sur l'affiche de Cyprien, seulement moches et ridicules, les nerds des Beaux gosses sont tout de suite attachants. En les voyant, on pense à l'affiche de SuperGrave : eux aussi semblent "vouloir du cul!". Ils sont laids, certes, mais renvoient forcément à notre propre passé honteux. Que ce soit à travers l'expérience des boutons, des coupes improbable ou des vêtements mal taillés, tout le monde est, comme eux, passé par la case âge ingrat. Et le mettre en scène de cette façon radicale mais positive et cartoonesque, avec des couleurs fun et pétantes, et un hors champ aussi sexy que burlesque (le regard torve et la bouche bée des deux ados est sans ambiguïté), ne laisse pas de doute : Riad Sattouf les trouve beaux, ces gosses. Nous aussi. Zac Efron tu sors !

L'affiche de Quelque chose à te dire n'a rien à dire : plate malgré la profondeur de champ, statique malgré les lignes de regard divergentes, soporifique avant même que le film n'ait commencé, elle promet une comédie romantico-dramatique populaire et sans prétention, avec des sentiments simples et universels, et un style accessible aux petites gens, pas élitiste comme du Desplechin, au seul service d'acteurs attachants.

Parmi eux, Pascal Elbé, au fond à droite, l'oeil sombre, comme jaloux de son collègue Olivier Marchal. Et pour cause. Marchal a en effet pris la place attitrée d'Elbé, dans le rôle du mec sans relief mais rassurant, auquel on ne refuse pas un hug. Regardez plutôt les affiches de 3 Amis et de Comme les autres, toujours avec Elbé... C'est édifiant : Elbé semble bel et bien rétrogradé. Allez, ouste ! Au piquet Pascal. Le discret Elbé - c'est un pléonasme - s'était récemment imposé comme l'acteur incontournable de la comédie romantico-dramatique à la française... On a le Hugh Grant qu'on mérite. A noter que, si l'on regarde attentivement, les affiches de "films avec Mathilde Seigner" (un genre en soi) offrent quasiment les mêmes symptômes que celles de "films avec Elbé" : visages d'acteurs se serrant les coudes sur fond uni, kiffant la vie malgré ses galères, parce que carpe diem, quoi. Ils incarnent bien ce cinéma vieillot, sans esthétique propre, consensuel et prémâché par la télé. On les retrouve d'ailleurs souvent dans les mêmes films.

Mais qui a eu l'idée de donner une face de Joker hermaphrodite à l'icone de la franchouillardise Gérard Jugnot ? Gérard Jugnot, lui-même. Pour sa prochaine réalisation, Rose et Noir - dont l'affiche hideuse crâne déjà à Cannes - il s'est donné le rôle d'un grand couturier français envoyé en Espagne. Visiblement amateur de fraise et de maquillage.

Dans sa tombe de Montmartre, Stendhal doit bien kiffer la dédicace...

Millénium (le livre) revient. Au cinéma cette fois. Mais il n'a pas changé, ou presque, fier de son code couleur chipé aux White Stripes : cercle rouge sur fond noir, encadré d'un liseré rouge, et titre en blanc - histoire d'attirer le fan hardcore du bouquin, forcément sensible à ces détails. Mais pour les autres, alors, ceux qui n'ont pas lu le triple pavé dans la mare du polar mondial ? Les astucieux qui, comme pour Harry Potter, préférent attendre sagement la sortie du film pour se faire une idée du livre ?  Pour eux donc, l'affiche se donne du mal, précisant bien que ce n'est pas un roman, ni une pub pour le nouveau disque de Tokio Hotel (rapport à la photo style EMO de Noomi Rapace - quel nom ! Tiens, c'est une fille. Alors c'est elle la hackeuse punky ? Oui): "enfin AU CINEMA", "Millénium LE FILM ", "un FILM de Niels Arden Oplev". Compris ?

 Lire notre critique du film Millénium.

Alors qu'il a subi l'année dernière le traditionnel bizutage des frères Coen dans Burn After Reading au niveau de la coupe de cheveux, Brad Pitt persiste dans la déveine capillaire avec Tarantino. Qui ne l'épargne pas.

Inglourious Basterds est en compétition à Cannes, avant de sortir sur nos écrans le 19 août.